Introducción
15 libros de historia del cine nos ofrece tanto a los interesados en la historia del séptimo arte como a los aficionados y cinefilos en general, una serie de textos que realizan un recorrido por el mundo de la pantalla grande, de sus directores, actores míticos y de las películas que los llevaron a la fama.
Los Archivos de Walt Disney. Sus películas de animación 1921–1968
Walt Disney, una de las mentes más creativas del siglo XX, creó un universo imaginario único e incomparable. Como muy pocos otros clásicos del cine, su asombrosa colección de dibujos animados revolucionó el modo de narrar historias en la gran pantalla y ha conseguido seducir a generaciones enteras de todos los lugares del mundo hasta el día de hoy.
Este volumen, una de las publicaciones ilustradas más completas que se le han dedicado a Walt Disney, presenta cientos de imágenes así como ensayos de reconocidos expertos sobre Disney y nos lleva al corazón del estudio durante la “edad de oro de la animación”. Repasamos toda la trayectoria de Disney desde los tiempos del cine mudo, pasando por su primer largometraje, Blancanieves y los siete enanitos (1937) y Fantasía (1940), hasta sus últimas obras maestras: Winnie the Pooh y el árbol de la miel (1966) y El libro de la selva (1967).
Tras un exhaustivo trabajo de documentación en el que se ha tenido acceso a las colecciones históricas de The Walt Disney Company, así como a colecciones privadas, el editor Daniel Kothenschulte ha seleccionado algunas de las pinturas de concepto y guiones gráficos más destacados para mostrar cómo lograron cobrar vida estas obras maestras de la animación. Con magistrales y minuciosas ilustraciones sobre celuloide sacadas de escenas de las películas más famosas y imágenes poco conocidas tomadas por los fotógrafos de Disney, el libro ofrece información privilegiada sobre el proceso creativo que se vivía en el estudio.
Se dedica un capítulo a cada una de las principales películas de dibujos animados que se hicieron durante la vida de Walt Disney, entre las que se incluyen Pinocho, Fantasía, Dumbo, Bambi, Cenicienta, Peter Pan, La dama y el vagabundo y 101 Dálmatas, sin olvidar joyas menos populares como los cortos experimentales de la serie Silly Symphonies y películas musicales por segmentos subestimadas como Música maestro y Tiempo de melodía.
Conscientes de que el estilo Disney fue un proyecto colectivo que debió tanto al maestro como al trabajo en equipo, Los archivos de Walt Disney quiere mostrar su reconocimiento a los extraordinarios animadores y diseñadores que influyeron en el trabajo del estudio, como Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle y Walt Peregoy.
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Guía FilmAffinity (3.ª ed.): Breve historia del cine
La Guía FilmAffinity es un recorrido por la historia del cine desde sus inicios. En sus más de 400 páginas se analizan cientos de películas y se muestran cientos de fotogramas. La web FilmAffinity nació en 2002 y, para celebrar la mayoría de edad, sus creadores queríamos ofrecer a nuestros usuarios y lectores algo especial. Y nada mejor ni más útil que esta guía, encargada a varios expertos y editada por dos de las personas que conocemos que más saben y mejor escriben sobre cine. Este volumen, que incluye decenas de fotogramas y carteles de películas, no es solo un resumen de un siglo y cuarto de cinematografía, desde sus inicios hasta la actualidad) sino también un análisis preciso y riguroso de la evolución de este arte. Un libro que es una actualizada historia del cine mundial a un tiempo rigurosa, amena y didáctica.
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El cine según Hitchcock
Resultado de una larga conversación de cincuenta horas preparada sobre un cuestionario de quinientas preguntas, El cine según Hitchcock -aclaraba François Truffaut- es «un libro del que no me considero autor, sino tan sólo iniciador o, mejor aún, provocador». A lo largo de sus páginas, las circunstancias que rodearon el nacimiento de cada film, la elaboración de los guiones, los problemas de la puesta en escena y la valoración del resultado comercial de las películas son los ejes que articulan el apasionante diálogo que sostienen en él ambos realizadores.
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Historia del cine de Román Gubern
Aparecida en 1969, ha sido traducida y repetidamente editada, en versiones sucesivamente revisadas, convirtiéndose en un clásico.
Esta Historia del cine de Román Gubern, aparecida en 1969, ha sido traducida y repetidamente editada, en versiones sucesivamente revisadas, convirtiéndose en un clásico, utilizado como texto docente en muchas universidades, como obra de consulta o como relato ameno de la historia del nacimiento de un nuevo arte y medio de comunicación que se ha convertido en un lenguaje artístico novedoso, un imaginario colectivo, un moldeador de costumbres sociales, un medio de propaganda ideológica y una forma de entretenimiento masivo.
En ella se describe la historia de un espectáculo popular que nació como una derivación de la instantánea fotográfica, creció en barracas de feria o espectáculos de music hall y llegó a convertirse en fábrica de sueños en templos de mármol y suntuosos cortinajes, para recluirse luego en minisalas, pantallas de televisión o soportes informáticos.
El libro describe tanto su evolución estética como su evolución técnica y sus implicaciones socioeconómicas e ideológicas. Agente activo de propaganda política, supo entablar un fructífero diálogo con los movimientos de vanguardia del siglo XX e inscribirse en las revoluciones estéticas e intelectuales desarrolladas a lo largo de más de un siglo. Pero de su cantera imaginativa surgieron también historias de aventuras en parajes exóticos, dramas amorosos, sátiras del poder político o económico, gestas heroicas y tenebrosas intrigas criminales. Por no mencionar sus arquetipos de atractivo erótico y sus modelos de seducción, que influirían en los gustos de las masas.
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Moteros tranquilos, toros salvajes: La generación que cambió Hollywood
El espectacular éxito de Easy Rider en 1969, una película de moteros de escaso presupuesto, marcó el inicio de una nueva era en Hollywood. Una generación de jóvenes directores, Scorsese, Coppola y Spielberg entre otros, comenzaron a filmar con actores aún poco conocidos, como Robert De Niro, Al Pacino y Jack Nicholson, y en pocos años se convirtieron en los nuevos y poderosos señores de Hollywood. Basado en cientos de entrevistas con los propios directores, pero también con productores, estrellas, agentes, guionistas, esposas y ex esposas, el libro de Peter Biskind narra día a día la epopeya de los jóvenes lobos de Hollywood, la génesis de sus películas y sus luchas contra el establishment.
Es la crónica de Hollywood en los años setenta, la historia de la última gran edad de oro del cine americano, una celebración de la creatividad y la experimentación, pero también del sexo, las drogas y el rock and roll. «La última edad dorada del cine creativo de Hollywood en una crónica imprescindible» (Diego Manrique, El País); «Morboso, duro, documentado e imprescindible» (Carlos Boyero); «¡Qué maravilla!» (Manuel Hidalgo, El Mundo).
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Hollywood Babilonia I
Bienvenidos sean a Hollywood. Auténtico, verdadero y unico ! Nunca hasta ahora se había exhibido con tal crudeza la realidad que oculta la espejeante fachada de esta fábrica de sueños.
Gracias a la audacia del cineasta Kenneth Anger, este libro nos llevará de paseo por el «Bulevar de los Sueños Truncados» donde se dan cita diosas del sexo, starlets, ídolos de matinés, magnates de la mafia y otras aristocracias, protagonistas todos ellos de escándalos que, por más de ocho décadas, vienen estremeciendo al mundo entero : por ejemplo, la turbia muerte del drogadicto Wallace Reid, la ninfomanía de Clara Bow, la bisexualidad de la Dietrich, el asesinato del amante de Lana Turner cometido por la hija de ésta, las extrañas orgías de von Stroheim, las locuras amorosas de Valentino…
Publicado por primera vez en Francia, en 1959, Hollywood Babilonia, con su azarosa historia de prohibiciones y piratería, ha pasado finalmente a ser hoy un libro casi legendario.
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Hollywood Babilonia II
Algo más acerca de la «verdadera historia» de esa pequeña ciudad del Oeste llamada Tinseltown, que, por fabricar sueños, saltaría a la fama en los años veinte para convertirse en un lugar legendario, poblado de personajes no menos fabulosos. Y Kenneth Anger accedió a excavar una vez más en su también legendario archivo de coleccionista obstinado. Y aquí, en este segundo volumen de Hollywood Babilonia, vuelve los focos hacia la otra cara de esos rostros de celuloide, devastada por el alcohol y la droga, marcada por algún odio asesino, animada por inimaginables pequeños vicios, inconfesables todos.
Aquí encontraremos para los aficionados al cine y al morbo, un largo desfile de estrellas y genios de la pantalla tal como fueron, tal como vivieron y, sobre todo, tal como acabaron…casi siempre en la sombra y muchas veces con un tiro en el cuerpo, cuando no mutilados según extraños rituales.
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Mutaciones Del Cine Contemporáneo
«Mutaciones del cine contemporáneo» fue publicado originalmente en inglés y de forma inmediata se convirtió en un libro de culto dentro y fuera del mundo anglosajón, al ser considerado un volumen imprescindible para acercarse al horizonte cambiante y absolutamente diversificado de la producción cinematográfica actual y en términos globales.
A comienzos del siglo XXI, el corporativismo, las exigencias de maximización de los beneficios y las anquilosadas fórmulas narrativas de Hollywood parecen gobernar el mercado cinematográfico mundial. Sin embargo, y tal como demuestra este volumen, el cine contemporáneo es hoy más rico y plural que nunca.
Con el comienzo del nuevo siglo se ha hecho patente la existencia de nuevos discursos fílmicos y otras narrativas que se enfrentan al canon del relato tradicional en occidente, así como nuevas fronteras para los géneros clásicos, nuevas técnicas para la creación de la imagen fílmica digital y para su difusión a través de internet, nuevos espacios geográficos de producción absolutamente descentralizados, nuevos contextos de visionado a través de la oferta DVD, el Home Cinema y la generalización de las descargas desde la Red.
Los trabajos de críticos y cineastas reunidos en este libro, que representan a algunos de los más destacados teóricos del cine de los cinco continentes, reivindican estas mutaciones del cine contemporáneo como la prueba palmaria de la buena salud del cine, al tiempo que avalan la creación de nuevas comunidades críticas capaces de reflexionar, más allá de toda frontera geográfica o generacional, sobre el presente y el futuro del cine.
¿Quiénes son los coordinadores? Jonathan Rosenbaum (Alabama, 1943) es escritor y crítico de cine del Chicago Reader, colaborador de distintas revistas como Trafic, Premiere o Film Comment, y miembro del consejo editorial de Cahiers du cinema España. En Estados Unidos es considerado una figura referencial del periodismo cultural, especialmente gracias a su labor de difusión y estudio del cine de otros países.
Entre sus últimas publicaciones destacan: Movie Wars: How Hollywood and the Media Limit What Films You See, Abbas Kiarostami y Essential Cinema. Adrian Martin (Melbourne, 1967) es crítico de cine y profesor de Teoría Cinematográfica de la Universidad de Monash (Australia), donde dirige el Departamento de Investigación de Cultura Fílmica y Televisión. Colabora con diversas publicaciones internacionales y escribe regularmente en revistas como Filmkrant y Cahiers du Cinéma España, revista en la cual es igualmente miembro del consejo editorial. Sus libros y ensayos han sido traducidos a más de veinte lenguas. Entre sus publicaciones más recientes se cuentan: Raúl Ruiz: sublimes obsesiones y ¿Qué es el cine moderno?
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The Time of My Life: Sobre cómo el cine de los ochenta nos enseñó a ser feministas
Dirty Dancing nos enseñó que, sí, las mujeres abortan. La princesa prometida nos enseñó que el amor verdadero no es un cuento de hadas. Cazafantasmas nos enseñó que la amistad masculina no tiene por qué ser inmadura. Todo en un día nos enseñó que siempre habrá clases sociales. No sabíamos que las películas que nos cambiaron la vida también nos estaban preparando para las luchas de hoy. Un ensayo revelador. «Adoro estas películas porque son desternillantes, tiernas e inteligentes, porque son divertidas. Son Buenas, con B mayúscula, y también están infravaloradas.
Estas películas no solo nos hicieron felices, sino que nos enseñaron mucho más que las películas de hoy en día. Sí, La fuerza está en ti, Lone Starr, por citar una de las películas de los ochenta que me gustaba tanto de niña que vi la cinta hasta que quedó destrozada. Pero les debo a estas películas que la fuerza esté en mí. Gracias a ellas, la verdadera fuerza de los ochenta siempre será intensa en nosotros.»
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Esculpir en el tiempo
Con ayuda del cine se pueden tratar las cuestiones más complejas del presente a un nivel que durante siglos ha sido propio de la literatura, la música o la pintura.
Pero una y otra vez hay que buscar de nuevo el camino por el que tiene que ir el cine como arte. Estoy convencido de que el trabajo práctico en el cine será para cada uno de nosotros algo infructuoso y desesperanzado, si no comprendemos con toda exactitud y claridad la especificidad de este arte, si no encontramos nosotros mismos la llave que tenemos para abrirla.
La crítica ha dicho:
«El texto del cineasta ruso -escrito en colaboración con Olga Surkova-, es una obra capital de la estética que, además de diversos criterios filosóficos puramente expuestos, incluye una retrospectiva de los a veces dramáticos avatares durante la filmación de sus películas, todo orientado a tratar de definir sus ideas sobre el arte en general y el cine en especial.»
Horacio Ramirez, Cine y Lietratura.
«Tarkovski expone su visión del arte y del cine en términos tanto personales como teóricos, haciendo un recorrido por todas sus películas y deteniéndose también en el uso de los elementos del lenguaje cinematográfico (por ejemplo, el sonido o el uso de la cámara). Es un abordaje bastante concreto, ya que el análisis es sobre la experiencia, partiendo de la base de que las soluciones no son dogmáticas, sino específicas para los problemas reales.»
Lucida Podesta, Proyecto IDIS.
«Es el ensayo más importante, y en muchos aspectos, el más hermoso y emocionante, que he leído sobre el cine entendido como arte supremo.»
Adrián Massanet, Espinof.
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Kubrick En La Luna
Otras Leyendas Urbanas Del Cine
Para algunos el cine es la gran fábrica de la fantasía. Para otros, por el contrario, el cine es una verdad repetida veinticuatro veces por segundo. Quién sabe. Quizá todos tengan parte de razón, quizá el cine sea ese lugar, tan parecido a los mitos antiguos, donde la verdad y la acción se hacen una. ¿Y qué mejor caldo de cultivo para las leyendas urbanas?
El mundo del cine ha sabido crear y recrear sus propios mitos de celuloide de manera inmejorable y con ellos ha abordado todos los géneros: los hay cómicos, trágicos y tragicómicos; los hay auténticamente terroríficos y, por supuesto, los hay con una gran X para los mayores de dieciocho. Héctor Sánchez ha investigado y nos relata las mejores leyendas urbanas, bulos y demás malentendidos relacionados con las grandes figuras y películas de la historia del cine. Todos estos episodios están narrados con un preciso conocimiento hasta de los más mínimos (y a veces escabrosos) detalles, pero también con el humor que requiere la ocasión, y David Sánchez ilustra cada una de las historias de forma incomparable.
De modo que el lector se encontrará con muertos en pleno rodaje (pero de los que no se levantan) y con actores que renacen de sus cenizas e incluso de sus tumbas; secretas adicciones y también inverosímiles habilidades sexuales de las que abren las puertas de Hollywood; mafiosos de los de verdad que entran y salen de escena junto con grandes presidentes que consiguen también su papel; sesiones de maquillaje literalmente letales y películas que bien se ganaron el apelativo de malditas; duelos de directores (cuando no peleas en el barro) y escaramuzas de grandes divas sin escrúpulos; falsos rodajes y también, por supuesto, rodajes en falso; tórridas imágenes subliminales escondidas en los más tiernos largometrajes, e incluso orgías con enanos…
Un alucinante recorrido por la historia secreta y paralela del séptimo arte. Bienvenidos a la otra verdad del cine.
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De Caligari a Hitler: Una historía psicológica del cine alemán
Siegfied Kracauer, De Caligari a Hitler: este nombre y este título han sido durante mucho tiempo punto de referencia obligado para todos aquellos que se dedican a estudiar el cine como un arte del siglo xx.
En su libro, Kracauer aborda el período más rico y espectacular del cine alemán y, por extensión, uno de los más importantes del cine mundial: el que va de 1919, año de la aparición de El gabinete del Dr. Caligari, a 1933, año de la subida al poder de Adolf Hitler. Es el período del expresionismo, de la formación de un lenguaje, de la consolidación de un arte que Kracauer analiza desde un punto de vista nuevo: el que le ofrecen los útiles teóricos del marxismo y el psicoanálisis.
Historiador, teórico y filósofo, Kracauer fue crítico de cine durante los años 1919-1933, lo que le permitió vivir directamente el desarrollo del arte cinematográfico en relación a la evolución de una cultura y una sociedad específicas, las de la Alemania de la República de Weimar. Sus trabajos sobre la propaganda nazi en el cine alemán, realizados en Estados Unidos, donde encontró refugio al consolidarse el poder hitleriano, le condujeron a buscar los antecedentes fílmicos del nazismo en los filmes realizados durante los años veinte. De ahí surgió el impresionante trabajo que ahora se presenta en España.
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Historia del cine español
Esta obra, escrita por historiadores de gran prestigio, cubre el vacío existente en nuestro país de un libro global sobre el cine español, es decir, una visión orgánica de conjunto diseñada y escrita con unidad metodológica. El presente volumen, resultado de una investigación interdisciplinar, no sólo va dirigido a un público especializado, ya que su análisis de un amplio periodo de la historia de nuestro país lo convierte en una interesante y amena lectura para el público general. El texto, que abarca desde los orígenes del cine hasta nuestros días, va acompañado de una cronología sociohistórica y de una exhaustiva bibliografía.
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Historia del cine
El cineasta y escritor Mark Cousins narra una historia del cine desde sus inicios silenciosos y sombríos hasta el negocio global multimillonario en que se ha convertido en la actualidad. Rinde homenaje a los pensadores radicales que han configurado nuestros paisajes cinematográficos y celebra las películas icónicas que nos continúan influyendo.
Una edición actualizada de un texto trascendental, con nuevos capítulos, que se convierte en un análisis convincente y accesible de la innovación en pantalla, del estilo cinematográfico y del impacto cultural del cine en todo el mundo. La creatividad es el motor que ha hecho avanzar el mundo del cine.
Éste es el principio del que parte este libro, sin el cual resulta imposible entender lo que ha convertido el séptimo arte en el poderoso medio que es en la actualidad. Comentarios sobre personalidades, datos referentes a avances tecnológicos y cambios en la producción junto con comprometidas descripciones de las escenas más innovadoras de las propias películas, captan los aspectos más relevantes de la historia del cine sin tener que recurrir a la jerga cinematográfica ni a un exceso de teoría.
Explica cómo los cineastas influyen unos en otros y al mismo tiempo reciben la influencia del mundo en el que les ha tocado vivir.
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Gigantes del Cine Comedia.
En este primer tomo de la colección Gigantes del Cine, conoce la historia más completa de la comedia en la pantalla grande, desde los hermanos Lumière hasta las películas del siglo XXI, pasando por el slapstick del cine mudo, el screwball de la Gran Depresión, la comedia italiana, la francesa, la japonesa, la india, la argentina o la mexicana de mediados del siglo XX, las comedias de la ruptura de los años setenta y las múltiples irreverencias de finales de siglo y los nuevos creadores de los 2000’s.
¿En qué ha radicado el éxito de los grandes mitos de la comedia?
Descubrirás a los grandes directores, productores y comediantes que hicieron del humor, su mejor lenguaje para conectar y alegrar los corazones del público cinéfilo.
Además de recorrer por las diferentes épocas y corrientes de la comedia universal que permeó en el cine, también nos introduciremos a los diferentes estilos de humor que han resonado en distintos países de América, Europa y Asia para descubrir juntos las distintas causas de la risa en el ser humano contemporáneo.
Ricardo Pérez es clown, escritor y creador de comedia, amante del buen humor que busca compartir con ustedes las grandes películas de comedia de la historia del cine con el fin de entender un poco más, los vacíos que llenaba en cada sociedad, en su audiencia.
Al leer este libro, descubrirás las principales corrientes que impulsaron la comedia desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XXI en lo largo y ancho del planeta.
Es un libro para disfrutar con palomitas, refresco y la extraordinaria compañía de los grandes comediantes de la historia del cine.
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